martes, 30 de junio de 2015

CONCIERTO PARA VIOLIN EN C MENOR XIX "TEMPORALE"......SIMEN CHISTIAN NIELSEN



A Italia, España, el lejano Oriente,acudieron numerosos músicos del siglo XIX en busca de aire fresco para sus composiciones. La música, al igual que la literatura o la pintura, se aleja del casi sacrosanto eje alemán-vienés para dar cabida a un folclore sentido como exótico que, en no pocos casos, es sometido previamente a un fuerte proceso de reinvención.
 El descubrimiento de lo exótico, es decir, el gusto por lo lejano tanto en el espacio como en el tiempo y el interés por la música que evoca tierras lejanas, caracterizó parte de la música del siglo XIX. El exotismo musical supuso la asimilación de un nuevo lenguaje musical que se traduce en el uso de escalas exóticas (pentatónica, escala de tonos enteros, escalas modales) o el empleo de instrumentos de colorido exótico inspirados en gran parte en el lejano Oriente. Pero ¿dónde tiene su origen y por qué se produjo este interés por lo exótico dentro de las artes y concretamente en la música del siglo XIX?
En la Europa de finales del siglo XVIII comienza a extenderse la idea de que la civilización no es un bloque monolítico y que los pueblos “primitivos” pueden aportar valores diferentes. De esta manera, compositores de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX como Beethoven y Schubert entre otros, comenzaron a introducir en las formas clásicas pequeños motivos y ritmos populares, sin que ello supusiera alteración alguna del carácter erudito y académico de dichas formas. Ya en el siglo XIX la música popular adquiere otra perspectiva y mayor relevancia, no solo se conforma con pequeñas incursiones dentro de la tradición clásica vienesa, sino que pretende renovar la tradición y formas clásicas. A partir de la segunda mitad del siglo XIX, la utilización de la música popular en la música representó un elemento revolucionario en el ámbito del lenguaje musical. A pesar de ello, la tradición musical clásica de occidente estaba representaba por la música conformada por el eje alemán-vienés: los conciertos, las sinfonías, las sonatas, el melodrama, el lenguaje melódico y tonal reflejaban las formas avanzadas mientras que el resto de lenguajes no tenían ese grado de maduración; la música popular se veía anclada en un nivel primitivo; las músicas exóticas se juzgaban como propias de pueblos atrasados que todavía no habían llegado a los umbrales de la civilización. Según Enrico Fubini, el pensamiento musical y la propia música del siglo XIX pusieron las premisas para salir de la visión centrada exclusivamente en el eje alemán-vienés. El uso de recursos folclóricos como exóticos, del cercano como el lejano Oriente, se basaba en un presupuesto filosófico fundamental: la pluralidad de los lenguajes y su igual dignidad, rompía por primera vez la idea de un único eje de desarrollo privilegiado. 


Dentro de este nuevo concepto y pensamiento musical que se produjo en la Europa de siglo XIX los viajes y el descubrimiento de nuevos lugares y culturas fueron fundamentales. España, Italia y Oriente Medio representaban los lugares ideales de la perspectiva exótica. Esto es debido a la influencia de la literatura. Como ejemplo de ello podemos citar, entre otros, los relatos egipcios de Gautier, el pintoresquismo italiano existente en la narrativa de Stendhal y el españolismo de Mérimeé, Hugo, Gautier y Nodier. Muchos escritores románticos relataron las impresiones o lo que ellos consideraban más exótico, aunque en ocasiones con poco realismo y grandes dosis de imaginación, creando así una imagen tópica.
Aquellos compositores que tuvieron la oportunidad de viajar, sintieron la necesidad de expresar y publicar también los paisajes y sensaciones que provocaban los lugares visitados....

Bibliografía
Renato di Benedetto: El siglo XIX. Primera parte , Historia de la música , vol. 8, (Madrid: Turner Música,).
Claudio Cassini: El siglo XIX. Segunda parte , Historia de la música , vol. 9, (Madrid: Turner Música, ).
Enrico Fubini: La estética musical desde la antigüedad hasta el siglo XX (Madrid: Alianza Editorial,).
Michael Randel (ed.): Diccionario Harvard de Música (Madrid: Alianza Editorial) .http://campusvirtual.unirioja.es/SigloXIX/111.htm

Un ejemplo de estas migraciones y esta musica lo podemos encontrar en el concierto italiano XIX "temporale"....Concerto per violino e archi in c minor by Simen Christian Nilsen,cuya belleza es digna de ser escuchada...

 

lunes, 29 de junio de 2015

FREDERIC CHOPIN ....... BALADA Nº 1 OPUS 23


Frédéric Chopin compuso cuatro baladas para piano, que se han convertido en importantes obras de repertorio. En origen, la balada era un poema cantado, que mezclaba lo lírico y lo épico. Chopin compuso sus baladas entre 1831 y 1842, inspiradas en poemas de Adam Mickiewicz, amigo del compositor, y al igual que éste, exiliado en París.
Los esbozos de esta primera balada en sol menor op. 23, datan de 1831 y se publicó en Leipzig en 1836. Estuvo inspirada en la amargura que Chopin sufría solo en Viena por la ausencia de su familia y amigos los cuales estaban en Polonia luchando contra la opresión del imperio ruso. Es una obra tan dramática que Schumann llegó a llamarla “Polonesa” y hoy es tan famosa como lo fue en aquella época.
 Balada nº1 en Sol menor
Esta obra tiene forma libre, aunque presenta ciertas semejanzas con la forma de allegro de sonata. Tras una Introducción lenta, encontramos una sección expositiva con dos temas principales ,  que invierten la relación tonal tradicional . La sección central recapitula los temas antes de introducir un brillante Tema . Finalmente, la sección final recapitula pero en orden inverso y manteniendo además las tonalidades originales,antes de desembocar en una virtuosística coda/stretta.
De este modo, esta Balada no resuelve en la recapitulación la “disonancia estructural” de la exposición sino que la mantiene, ofreciendo a cambio una especie de arco tonal perfectamente cerrado.


 Chopin compuso esta  primera  balada entre los años 1835 y 1836, precisamente los años en que su relación con Maria Wodzinska iba de maravillas. Era la preferida de Chopin y así se lo comentó a Schumann en una ocasión en que la tocó para él, después que éste alabara la interpretación y la obra.

Pieza de dificultad extrema, es, sin embargo, ejecutada con frecuencia en conciertos por su lacerante lirismo y posibilidades de lucimiento por parte del ejecutante virtuoso. Más de alguna vez, algún trozo ha sido parte de la banda sonora de películas; la ocasión más reciente fue en 2002, cuando pudimos escuchar un "arreglo" algo curioso de tres minutos de duración en la película de Roman Polanski, El Pianista, en la escena en que un oficial alemán solicita al protagonista que toque algo en el piano de una casa derruida utilizada como cuartel por los soldados alemanes.

En mi modesta opinión, las condiciones físicas y anímicas en que se encuentra el actor pianista, en plena guerra, sin alimentarse por meses...es alimento para su inspiraciòn

La versión que os acompaña es del pianista polaco Krystian Zimerman, versión irreprochable si aceptamos que alguna razón habrá tenido para tomarse todo el tiempo del mundo antes de atacar los acordes en el minuto 4:46 y el minuto 7:47.
 
https://bustena.wordpress.com/2014/02/28/chopin-balada-no1-op-23-analisis/
http://labellezadeescuchar.blogspot.com.es/2011/07/chopin-balada-en-sol-menor.html
 

ALMA DESNUDA.........ALFONSINA STORNI




Soy un alma desnuda en estos versos, 

Alma desnuda que angustiada y sola 
Va dejando sus pétalos dispersos. 

Alma que puede ser una amapola, 
Que puede ser un lirio, una violeta, 
Un peñasco, una selva y una ola. 

Alma que como el viento vaga inquieta 
Y ruge cuando está sobre los mares, 
Y duerme dulcemente en una grieta. 

Alma que adora sobre sus altares, 
Dioses que no se bajan a cegarla; 
Alma que no conoce valladares. 

Alma que fuera fácil dominarla 
Con sólo un corazón que se partiera 
Para en su sangre cálida regarla. 

Alma que cuando está en la primavera 
Dice al invierno que demora: vuelve, 
Caiga tu nieve sobre la pradera. 

Alma que cuando nieva se disuelve 
En tristezas, clamando por las rosas 
con que la primavera nos envuelve. 

Alma que a ratos suelta mariposas 
A campo abierto, sin fijar distancia, 
Y les dice: libad sobre las cosas. 

Alma que ha de morir de una fragancia 
De un suspiro, de un verso en que se ruega, 
Sin perder, a poderlo, su elegancia. 

Alma que nada sabe y todo niega 
Y negando lo bueno el bien propicia 
Porque es negando como más se entrega. 

Alma que suele haber como delicia 
Palpar las almas, despreciar la huella, 
Y sentir en la mano una caricia. 

Alma que siempre disconforme de ella, 
Como los vientos vaga, corre y gira; 
Alma que sangra y sin cesar delira 
Por ser el buque en marcha de la estrella.

 http://www.poemas-del-alma.com/alma-desnuda.htm


domingo, 28 de junio de 2015

FREDERIC CHOPIN......... NOCTURNO OPUS 9 Nº 2


Siempre he creído que los genios de la música clásica hablan un idioma desconocido para nosotros, un idioma que sólo se puede expresar mediante una serie de acordes perfectos que desembocan en una idea, un sentimiento, un estado de ánimo, …

Con este ” Nocturno” Chopin definió ese estado tan difícil de explicar que es la nostalgia, o al menos eso es lo que me viene a la cabeza al oírlo. Pero no es una nostalgia triste, es una catarata de recuerdos en cámara lenta que viene a explicarme lo que he llegado a ser ahora, siempre me pasa ésto cuando la oigo, echo la vista atrás y veo mi vida como una película en cuyos giros del pasado se explica todo como por arte de magia. Decía Chaplin que el mejor director de cine era la vida, porque siempre tenía un final perfecto. No puedo estar más de acuerdo.

Hablando del autor, Chopin estuvo marcado desde niño por una deficiente salud. Su vida tiene bastantes paralelismos con la de Mozart: ambos fueron niños prodigio y vivieron a salto de mata, fueron pioneros de lo que hoy son las giras de los grupos de rock (con las diferencias de estilo y época, claro está). Entre exilios (Polonia tuvo conflictos con Austria y Rusia) y la búsqueda de un clima más favorable para su delicada salud recorrió casi toda Europa, inclusó pasó una temporada en Mallorca (en la que por desgracia para él no paró de llover). Más o menos fue en París donde pasó la mayor parte de sus días, haciendo amistad con la flor y nata cultural de la época: Balzac, Victor Hugo, Delacroix, …

La gran pasión de su vida fue Aurore Dupin, más conocida como George Sand. Esta escritora era la femme fatale de la época, vestía como un hombre, fumaba puros y coleccionaba hombres. Ella se convirtió en su amante y en una segunda madre hasta que se distanciaron, tras lo cual la salud de Chopin empeoró hasta que acabó muriendo de tuberculosis a los 39 años. Para la posteridad quedó su magnífico libro “Un invierno en Mallorca”, donde retrata su convivencia conjunta.

Creo que nunca un piano sonó mejor....

El Nocturno nº 2 op. 9 es uno de los primeros ejemplos de este género en Chopin, tan característico de las pequeñas piezas para piano del romanticismo
Hay un predominio de la melodía, que es amplia, muy adornada y expresivamente evocadora de la nostalgia que produce el anochecer. Tiene elementos comunes con las melodía del bel canto, especialmente se relacionan con Bellini. Los adornos varían en cada repetición. El ritmo y la intensidad se adaptan completamente a la expresión de sentimientos, por lo que tiene medidas muy irregulares en las figuraciones, tempo rubato (medida libre y desigual) dentro de tempos lentos y constantes crescendo y diminuendo, aunque con predominio del p (suave). El instrumento es el piano, dominante por completo en el salón burgués, ámbito preferido de estas pequeñas formas. Su éxito se debe a sus enormes posibilidades dinámicas, de acompañante y de sustituto de conjuntos instrumentales, así como a su carácter individualista. Chopin se considera parte de la escuela que da prioridad a la expresividad frente a un virtuosismo más exhibicionista (Liszt). La textura es melodía acompañada con un dominio absoluto de la melodía en la mano derecha y una mano izquierda que lleva el ritmo y la armonía con discreción.


   La estructura de estas piezas suele ser binaria, con dos temas no demasiado contrastantes entre sí.Son piezas breves y líricas en un solo movimiento. El género es, como ya hemos repetido, el nocturno. Son en el Romanticismo piezas pianísticas melancólicas con una melodía muy adornada en la mano derecha y que evocan el anochecer. Ya existía esta denominación en el Clasicismo, pero simplemente eran obras que se interpretaban a esa hora del día y eran orquestales o de cámara. En el siglo XIX John Field será su impulsor, pero Chopin quien los dotará de sus características más repetidas.  


  Además de lo ya mencionado acerca del género nocturno, que perderá vigencia en épocas posteriores, sobre el autor podemos decir que Frédéric Chopin es un autor polaco que establece en París su residencia definitiva. Allí conoce a muchos músicos, literatos y pintores. Pronto se codea con la mejor sociedad parisina. Es el compositor y pianista de moda. Toda su obra está relacionada con el piano, instrumento que le servirá para expresar los sentimientos más íntimos y los más tumultuosos. Se suele decir que la elegancia y la delicadeza son cualidades de su música.

http://www.taringa.net/post/arte/12547087/Nocturne-op-9-no-2-chopin.html





BALLET GUISELLE....LA JOYA DEL ROMANTICISMO




Obra maestra absoluta del teatro de la danza del Romanticismo. Fue estrenada en 1841 en la Ópera de París constituyéndose en pieza pura y fundamental de la danza clásica, tanto por el tratamiento de los ideales románticos como por el empleo de la más refinada técnica teatral del siglo XIX.

El ballet Giselle constituye una de las más puras joyas del ballet romántico.



Primer acto
En los valles cercanos al Rin vive Giselle, una campesina de gran belleza y extremada inocencia. Giselle desea ante todo bailar, pero es reprimida constantemente por Berther, su madre, quien teme, debido a su frágil y quebradiza salud, que Giselle muera doncella antes de su boda, convirtiéndose así para la eternidad en una Willi, (espíritus nocturnos del bosque que matan a los hombres que están en él después de la media noche). Albrecht, duque de Silesia, corteja a Giselle haciéndose pasar por Loys un apuesto aldeano llegado a la vendimia, mientras Hilarión, el guardabosque que está profundamente enamorado de Giselle, sospecha de la identidad y del engaño del forastero.La corte del príncipe de Courtland, regresando de una cacería, hace un alto en el camino en la casa de Giselle para comer y beber, Bathilde la hija del príncipe y prometida de Albrecht se impresiona por el encanto de Giselle y se hacen confidencias sobre sus amoríos sin saber ninguna de las dos que ambas aman al mismo hombre.En el pueblo se celebra la fiesta de la vendimia y los jóvenes del pueblo eligen a la reina, honor que recae en Giselle, quien con permiso de su madre baila para todos. Hilarión entre tanto descubre la verdadera identidad de Albrecht, y aprovecha la presencia de la corte y de su prometida Batidle para desenmascararle.Giselle es sorprendida por el engaño y su inocencia se ve rota por la traición, haciéndola caer en una desesperación que la arrastrará hacia la locura y la muerte.




Segundo acto
Hilarión acude al bosque para visitar la tumba de su amada y es sorprendido por la media noche y con ella la llegada de las Willis. Myrtha,, su reina, es la encargada de hacer la llamada a las Willis para iniciar así, una noche más, el ritual de la venganza, siendo Hilarión su primera victima. Al oír pasos las Willis desaparecen, es Albrecht que se acerca, siente tanto arrepentimiento que se ha adentrado en el bosque buscando la tumba de Giselle y suplicar su perdón. Giselle se hace visible conmovida por su arrepentimiento e intenta prevenirle para que se marche del bosque, pero ya es tarde y la implacable Myrtha ordena a las Willis atraer a Albrecht hasta su presencia donde haciéndole bailar conseguirán quitarle la vida. La fuerza del amor que Giselle siente en su interior será la salvación de Albrecht, dándole su aliento y haciéndole resistir vivo hasta la llegada del alba. Con el amanecer las Willis desaparecen, y así Giselle tiene que despedirse de su amado para siempre, Albrecht trata inútilmente de retenerla pero ella tiene que seguir su triste destino envuelta en esa maldición provocada por el engaño y la traición del hombre.
 http://www.danzaballet.com/ballet-giselle/


sábado, 27 de junio de 2015

ROBERT SCHUMANN......SINFONIA Nº 4 EN RE MAYOR OPUS 120






La cuarta sinfonía constituye la cúspide de la obra sinfónica de Schumann. Su carácter, de acusada melancolía aunque enérgico, está ya definido en la lenta introducción. El tema principal, semejante a un arabesco, es de un admirable atrevimiento, presentándose como una figura que se eleva, para descender a continuación, en una dinámica ondulante que domina todo el primer movimiento y del que dependen los numerosos motivos secundarios. La atmósfera exaltada de la conclusión, en modo Mayor, es interrumpida súbitamente por un acorde en Re Menor que da entrada a una melancólica romanza.

Esta obra comparte con algunas futuras sinfonías de Bruckner la particularidad de existir en dos versiones. A principios de 1841 Schumann compuso su sinfonía nº 1 "Primavera" y unos meses más tarde la segunda, que se estrenó el 6 de diciembre en Leipzig. Una posterior revisión de esta obra, nuevamente instrumentada, fue ofrecida por primera vez al público de Düsseldorf como "Cuarta Sinfonía" doce años más tarde, en 1853.

Schumann prefería la segunda versión por varias razones. Además de una profunda re-orquestación, revisó la estructura de forma particularmente efectiva para enfatizar la relación de las distintas partes: así, borró el coral de metales que iniciaba el tercer movimiento y reformó las transiciones de la sección Lebhaft del primer movimiento y el finale. En una carta del 3 de mayo de 1853 a Johannes Verhust, se refería a la versión revisada como "mejor y más efectiva".
No sólo Brahms, sinó también otras personas como el prestigioso crítico musical Sir Donald Francis Tovey y el biógrafo de Schumann Peter Ostwald tenían preferencia por la primera versión. Este último comentaba que la original era "más ligera y transparente en su textura". La sinfonía de 1841 se sigue interpretando en ocasiones y existen grabaciones de la misma, aunque la revisada de 1853 se ha impuesto por méritos propios y es la que goza del mayor favor de público y críticos.
Históricamente fue un logro de importancia crucial en la evolución de la forma sinfónica pues lo que hizo Schumann en su obra fue recoger, digamos, el testigo que Beethoven había dejado en su magnífica Quinta Sinfonía. La unificación de los movimientos de la Cuarta, puede ser considerado a través del prisma retrospectivo del tiempo, como un nexo de unión entre Beethoven y la música moderna.
Nadie se ha apercibido de esto con mayor agudeza que Alfred Frankenstein, profesor, crítico de arte y música norteamericano. En su penetrante análisis de la obra, en principio, describe los pasos experimentales de Beethoven en la Sinfonía en Do menor, como por ejemplo los pasajes enlazados del tercero y cuarto movimientos, y la repetición al final de una gran parte del Scherzo.


El tema de la introducción, Vivace, es elaborado con sonoridad creciente, llevando los violines la parte principal. Hablando en sentido estricto, no hay un segundo tema, a menos que se considere un pasaje en Fa mayor interpretado por los violines en ritmo descendiente. La primera parte del movimiento está marcada como bastante lenta.
El segundo movimiento, Romanze, también señalado como bastante lento se presenta en La menor. El solo de oboe y de violonchelo, en octavas, interpretan la triste música. El solo de violín borda una ornamentación en la parte central (Re mayor).
Un acorde en La mayor nos conduce al Scherzo, cuyo tema principal es en efecto una escala que se eleva y desciende. El Trío en Si bemol, es concedido a los instrumentos de viento y es repetido como una especie de coda transición al final. El último se presenta en Re y está basado en una variación algo marcial del primer movimiento. Escuchamos después lo que parece ser un cantábile segundo tema, y luego el auténtico segundo tema La mayor. Un sforzando al unísono, en Sol natural, señala el desarrollo formal, y tras la introducción de otra figura musical nos conduce a la coda. Las últimas páginas del final se convierten en presto, sin perder por ello lo mas mínimo de dignidad o equilibrio.
http://classicmusica.blogspot.com.es/2011/05/schumann-sinfonia-n-4.html


POEMA DE UN RECUERDO...GUSTAVO ALEJANDRO CASTIÑEIRA





 Dime por favor donde no estás
en qué lugar puedo no ser tu ausencia
dónde puedo vivir sin recordarte,
y dónde recordar, sin que me duela.

Dime por favor en que vacío,
no está tu sombra llenando los centros;
dónde mi soledad es ella misma,
y no el sentir que tú te encuentras lejos.

Dime por favor por qué camino,
podré yo caminar, sin ser tu huella;
dónde podré correr no por buscarte,
y dónde descanzar de mi tristeza.

Dime por favor cuál es la noche,
que no tiene el color de tu mirada;
cuál es el sol, que tiene luz tan solo,
y no la sensación de que me llamas.

Dime por favor donde hay un mar,
que no susurre a mis oídos tus palabras.

Dime por favor en qué rincón,
nadie podrá ver mi tristeza;
dime cuál es el hueco de mi almohada,
que no tiene apoyada tu cabeza.

Dime por favor cuál es la noche,
en que vendrás, para velar tu sueño;
que no puedo vivir, porque te extraño;
y que no puedo morir, porque te quiero.

  http://www.poemas-del-alma.com/dime.htm




viernes, 26 de junio de 2015

FREDERIC CHOPIN......PRELUDIO EN E MENOR OP.28 Nº 4




 Cuando escuché la música de Chopin sentía perfectamente las emociones que este gran pianista y compositor quería expresar mediante el piano. De alguna manera comprendía a Chopin, comprendía su dolor, su sensibilidad, su tristeza… Me sentía conectada a él mediante su música, por  su naturaleza romántica.
 Como veis la música de Chopin ha ejercido una gran influencia sobre mí y por eso quería escribir sobre él.

Frédéric Chopin, compositor polaco, nació en 1810 y murió en París en 1849, casi toda su obra está compuesta para piano y es uno de los grandes compositores del Romanticismo.
Chopin compuso sus 24 preludios op. 28 para piano entre 1835 y 1839. El preludio op. 28, nº4 para piano de Chopin (además del preludio nº6) simboliza la tristeza profunda y depresión. Ambos preludios eran de las piezas favoritas del compositor, el cual indicó en su testamento que se interpretaran en su funeral. En el caso del preludio nº 4 Chopin expresó musicalmente dicha tristeza de la siguiente manera: fijaos como la melodía que está en la mano derecha es muy lenta, con muy pocas notas durante casi todo el preludio y si prestáis más atención os daréis cuenta de que las notas que forman los acordes de la mano izquierda van descendiendo todo el tiempo como cayendo cada vez más en una profunda depresión.
Este Preludio op. 28, N ° 4 de Frédéric Chopin es uno de los 24 preludios de Chopin. Por petición de Chopin, esta pieza se jugó en su propio funeral, junto con el Réquiem de Mozart.

Hans von Bülow llamó el preludio de "asfixia", debido a su sentido de la desesperación. De hecho, la última dinámica de Chopin marca en la pieza es smorzando, que significa "morir lejos". Pero el preludio de una vez pudo haber sido dado un título. De acuerdo con la hija de George Sand Solange, quien se quedó con el compositor en el monasterio en Mallorca cuando fueron escritos los preludios, "Mi madre dio un título para cada uno de maravillosas Preludios de Chopin; estos títulos se han conservado en una puntuación que le dio a nosotros." Ese puntaje título se perdió. Pero Solange hizo grabar los nombres de los preludios, aparentemente sin asignar los nombres a los números de preludio. Se cree que el título "Quelles larmes au fond du humide cloître?" ("¿Qué lágrimas (se derramó) de las profundidades del monasterio húmeda?") Corresponde a Prelude No. 4. 





Poema del Pincel y el Pintor
(Escúchese: Preludio en E-menor, Op.28 No.4- Frédéric Chopin)




El pincel bajo la cama
esperaba su turno
esperaba con calma
y pensaba taciturno


Porque me ha olvidado el pintor
en este triste lugar
¿Acaso no pinta más el pintor?
¿O yo no sirvo más?


A caso no le mueve su oficio
o no tiene inspiración
que le ocurre a mi amigo
ese viejo pintor


Que no toma su paleta
ni se queda mirando el sol,
no se unta de pintura 
ni sonríe con su olor.


¡Oh sorpresa!
en sus manos me ha tomado.
¿Estará la pintura fresca
para el cuadro que ha tramado?


Pero en sus ojos hay tristeza
y no me sujeta con deseo,
no se siente la destreza
de quien va a pintar un fresco.


No hay pinturas en la mesa
ni lienzos en el marco,
me sujeta con fuerza
y pasa un trago amargo.


Recuerdo que de joven
su padre me ha comprado,
para el amante de Beethoven
que en las paredes ha pintado.


Y con alegría del alma
me ha recibido el primogénito,
y ha pintado cada día
desde que ha sido mi dueño.


Se ha ido hasta el espejo
y ha visto su rostro,
aquel cansado reflejo
aquel triste monstruo.


Ha buscado a tientas la pintura
y el frasco verde ha destapado
sobre de boca la figura
una sonrisa ha pintarrajeado.


Que te pasa viejo amigo
ya hasta me has preocupado,
que la sonrisa que has pintado
¿sabes? no es ningún abrigo.


Que pasa en tu alma que antes,
pintando yo todo lo sabía.
Que pasa en tu alma porque antes,
eras más feliz cada día.


Tu mirada sabe lo que digo
y me implora silencio
pero yo soy tu amigo,
no cualquier fariseo.


Y me tomas más con fuerza,
¿Qué pretendes amigo?
me miras con firmeza
y al fin acabas conmigo.


Yo quien he pintado
en tu rostro una sonrisa,
yo quien he pintado
tan bellos los días.


He muerto en tus manos
el final me ha sido digno,
cuando solo no me marcho
pues he muerto contigo.


Vamos pues viejo pintor, 
pintemos nuestro camino,
vámonos los dos,
pintémonos un destino.

 https://www.facebook.com/Poesiasucia/posts/373611582798661
http://es.hdclassicalmusic.com/listen/?id_song=506

jueves, 25 de junio de 2015

ROBERT SCHUMANN Y EL ROMANTICISMO DEL SIGLO XIX...... PAPILLONS Y CARNAVAL




Robert Alexander Schumann... compositor alemán de la época del romanticismo, comienza a tomar clases de piano con Friedrich Wieck
Tanto en su vida como en su obra, refleja la naturaleza del romanticismo, siempre envuelta en la pasión, el drama y, finalmente, la tragedia. Une la ilustración literaria con una gran complejidad musical, creando obras de gran intensidad lírica. Sus trabajos usualmente tienen títulos, textos o programas descriptivos.

Su obra Papillons, publicada como Opus 2 (“Mariposas”), escrita entre 1829 y 1831, cuando tenía entre 19 y 21 años de edad, es un ejemplo de la fusión entre literatura y composición musical de Schumann.
Se trata de una composición para piano, que consta de varias escenas de danza inspiradas en una fiesta de disfraces. Según escribiría el propio Schumann, está inspirada en la última escena de la obra “Flegeljahre” de Johann Paul Friedrich Richter, y mezcla el carácter festivo con un extraordinario sentimiento melancólico.
En una carta a sus hermanos les pide: “…lean la última escena de ‘Años de Estudiantina’ (Flegeljahre) de Jean Paul Richter tan pronto como sea posible porque las Papillons están pensadas como una representación musical de esa mascarada ”.
En esta obra literaria encontramos una escena de un baile de máscaras, con mariposas como tema central. Algunas de sus frases nos ilustran sobre la inspiración de Schumann: “Un baile de máscaras es tal vez el punto más alto en el que la vida imita al juego de la poesía” o “Desde un punto de vista superior la historia del género humano puede ser visto como un largo baile de máscaras”.
Robert Schumann hizo suyos los ideales formulados por Jean Paul Richter en 1804: lo de ser al mismo tiempo poético, pictórico y musical.
Las composiciones de Schumann para piano suelen ser expresiones musicales sobre temas literarios y estados de ánimo, algunos de reflexión, otros ardientes y apasionados. Su interpretación suele considerarse de las más difíciles dentro del repertorio para este instrumento, no sólo debido a su densa escritura y dificultades técnicas, sino también por el clima fantástico y misterioso que debe acompañarlas.
Las obras para piano son profundamente originales, colecciones de piezas cortas, en las que una pequeña idea deriva en la creación de toda la obra a través de una sencilla organización. Schumann tenía como ideal la pureza y la poesía del nuevo espíritu romántico y era enemigo del virtuosismo.
Su obra “Papillons” (Mariposas), es un conjunto de 12 piezas con introducción, muchas de las cuales son valses. La música está llena de pasajes luminosos y pesados, y marcadas octavas.
Cuando sale a la luz “Papillons”, Jean Paul Richter era un autor muy conocido en la época, “Años de Estudiantina” circula, se lee; el valse es el baile de moda, marca una revolución, acerca como nunca antes a la pareja y la pone en un lugar relevante socialmente.
La gente de esa época que comienza a conocer “Papillons” la siente cercana, sabe y entiende los guiños, los códigos no escritos.
En la obra de este compositor se aprecia un diseño melódico nítido, aunque siempre con ataduras poéticas, dada su pasión por la literatura.
La armonía es mucho más importante que la melodía, por ello la concepción sinfónica de muchas de sus obras es notable.
Su forma musical se basaba en la improvisación, la espontaneidad. Schumann también recurre a diferentes medios de expresión musical: el cromatismo, los acordes alterados y las armonías sobre pedal.

                      


Carnaval, op. 9, es una obra  para piano solo, escrito en 1834-35, y el subtitulado Scènes mignonnes sur quatre notas (Pequeñas Escenas en Cuatro Notas). Se compone de 21 piezas cortas que representan enmascarados en el carnaval, una fiesta antes de la Cuaresma. Schumann da expresión musical a su persona, sus amigos y colegas, y los personajes de la comedia italiana improvisado (comedia del arte).
Las cuatro notas se codifican rompecabezas y Schumann predijo que "descifrar mi baile de máscaras será un juego real para ti." Las piezas  están conectados por un motivo recurrente. En cada sección del Carnaval parece una o ambas de las dos series de notas musicales.
Carnaval tiene su origen en un conjunto de variaciones sobre un Sehnsuchtswalzer por Franz Schubert,para  Schumann, cuya música sólo había descubierto en 1827... el catalizador para la escritura de estas variaciones puede haber sido una obra para piano y orquesta de un íntimo amigo (Ludwig Schuncke).El trabajo nunca se completó,  Schuncke murió en diciembre de 1834 y Schumann hizo volver a utilizar los primeros 24 medidas para la apertura del Carnaval.
En Carnaval, Schumann va más Top musicalmente que en Papillons, op. 2, para él concibe la historia de sí mismo por el cual sirve como una ilustración musical. Cada pieza tiene un título, y la obra en su conjunto es una representación musical de un baile de máscaras elaborada e imaginativa Durante la temporada de carnaval.Carnaval sigue siendo famosa por sus pasajes cordales resplandecientes y su uso de desplazamiento rítmico, y ha sido un elemento básico del repertorio del pianista. 
 http://es.hdclassicalmusic.com/listen/?id_song=359
 http://www.yolandasarmiento.com/papillons-op-2-de-robert-schumann/



LA BAYADERA..........LA MORTE DE NIKIYA



La bayadera es un ballet, una de las obras fundamentales del repertorio de las compañías de danza clásica. El compositor Ludwig Minkus puso música a un libreto basado en dos dramas del poeta indio Kālidāsa. El libreto fue escrito por Serguéi Judekov y Marius Petipa, quien creó la coreografía. Se estrenó en el Teatro Bolshói Kámenny de San Petersburgo el 23 de enero de 1877. El personaje de Soros lo bailó Lev Ivánov, quien luego se convertiría en una de las figuras cimeras de la danza clásica.
El compositor Minkus trabajó en estrecho contacto con el coreógrafo Petipa y logró una de las más notables composiciones pre-chaikovskianas. Varias estrellas del ballet clásico han obtenido grandes lauros por su desempeño en esta obra: entre éstas Anna Pávlova quien alcanzó su primer gran éxito en 1902 interpretando a Nikiya y Rudolf Nuréyev quien en 1958 causó fascinación en la misma ciudad donde se estrenara la obra cuando añadió a la variación de Solor ciertos toques.


La obra ha sufrido algunos cambios desde su estreno y en 1919 se le suprimió el tercer acto. Actualmente varía la cantidad de actos según la compañía y la versión coreográfica, lo que hace que en ocasiones se bailen dos actos y en otras tres.
Solor, noble guerrero, al regresar de la cacería del tigre manda a llamar a Nikiya, quien es bayadera del templo. De ella está enamorado el Gran Brahman pero ésta le rechaza bajo la excusa de que él es un sacerdote del templo. La bailarina sagrada va al encuentro del guerrero pero el Brahman la sigue y ve como Solor le promete solemnemente sobre el fuego su fiel amor eterno a la joven. En un arranque de furia el espía jura invocar la ira de los dioses como venganza.
El Rajah de la provincia, en recompensa al valor del guerrero le ofrece la mano de su hermosa hija Gamzatti, por quien queda al instante deslumbrado a pesar de su juramento a Nikiya. Solor no tiene voluntad para rechazar el bondadoso ofrecimiento y el festejo por tal evento comienza con la misma llegada del Gran Brahman que revela al padre de la prometida el pacto entre el guerrero y la joven bayadera, quien tendría que bailar también en la fiesta. Gamzatti, que escondida ha escuchado la conversación, trata de persuadir a su rival de que abandone a Solor a cambio de lujosos presentes y alhajas. Ella no acepta y en medio de su desesperación intenta herir a la princesa, quien se promete tomar venganza.
En los jardines reales del Rajah se harán grandes celebraciones en honor al casamiento de su hija con el guerrero, donde también tendrá que danzar Nikiya. Durante su actuación le entregan una cesta de flores de parte de Solor que fue realmente preparada por Gamzatti quien ocultó una serpiente, que muerde mortalmente a la bailarina cuando está oliendo la fragancia de las flores. El Brahman, aún enamorado, le ofrece un antídoto que ella rechaza al ver la pareja de recién casados. A su muerte Solor queda destruido.
En medio de su abatimiento, el guerrero tiene visiones en las que Nikiya se le aparece desde el reino donde habita ahora y le dice a Solor que ella ha sido bendecida para protegerlo. Si él tiene fe en ella y se mantiene fiel, éste alcanzará la paz eterna y estará siempre protegido. Entre las sombras Solor realiza su última danza y despierta luego en extremo consternado por la visión de su amada. La escena del Reino de las Sombras está considerada una gloria coreográfica mundial; en especial por la entrada de 32 bailarinas, interpretando espectros de bayaderas, desde una rampa de dos metros de alto bailando una serie de arabesques.
https://es.wikipedia.org/wiki/La_bayadera

 

miércoles, 24 de junio de 2015

SAN JUAN DE LA CRUZ Y SU POEMA "LA NOCHE OSCURA"





San Juan de la Cruz nació el 24 de junio de 1542 en Fontiveros, un pequeño pueblo de la provincia de Castilla y León (España). A los 17 años ingresó en un Colegio de Jesuitas y, cuatro años más tarde, tomó los hábitos de la orden de las Carmelitas y adoptó el nombre de fray Juan de san Matías. Posteriormente se ordenó sacerdote y adquirió su nombre definitivo, Juan de la Cruz.
Tuvo una profunda amistad con Teresa de Ávila y junto a ella fundó el primer convento de Carmelitas Descalzos, una orden de monjes que practicaban la contemplación y la austeridad. Debido a su intento de modificar las bases monásticas de las órdenes consagradas, fue acusado de apóstata y condenado a 9 meses de cárcel en Toledo; donde se dedicó a escribir poesía.
En su obra nos encontramos con un profundo sentimiento religioso, que roza lo místico; además, si se lee con atención, puede notarse una sensualidad y un erotismo encubierto detrás de una profunda vocación religiosa.
  El poema Noche oscura del alma es una de las tres obras más emblemáticas de San Juan de la Cruz y, por ende, de la poesía mística. Las otras dos son el Cántico espiritual y Llama de amor viva. La literatura mística (del griego μυστικός 'ciencia secreta') trata de mostrar la ascensión del alma hasta su unión con Dios. En España, se desarrolló especialmente durante la segunda mitad del siglo XVI, favorecida por  el espíritu contrarreformista de la época de Felipe II, a través del cual se produjo la incorporación a la lírica de numerosos temas religiosos y morales.
El poema se divide en tres partes, correspondientes a cada una de las tres vías o caminos que el alma ha de recorrer necesariamente para su unión con Dios.
La primera vía es la purgativa, también denominada ascética, pues en ella el alma se libera de sus pasiones y se purifica de sus pecados a través de la negación de los sentidos y del intelecto. En el poema, se halla circunscrita a las dos primeras estrofas.
La segunda vía es la iluminativa. A través de ella, el alma, con la consideración de los bienes eternos y de la pasión y redención de Cristo, es alumbrada por la luz de la fe, que le marca el seguro camino hacia Dios. En el poema, se corresponde con la tercera y cuarta estrofas.
La tercera y definitiva vía es la unitiva, en la cual se logra lo que el propio San Juan denominó matrimonio espiritual: la unión entre alma y Dios (a menudo expresada como un abandono en el Otro).
Con todo, a estas tres vías se superpone una estructura en dos partes iguales de cuatro estrofas cada una. La primera es la del camino hasta la unión, definida por el movimiento que genera el verbo 'salir' y por la ambivalencia del símbolo de la noche: oscura primero; luminosa, después. La segunda es la de la unión y carece de movimiento, es descriptiva y estática.
 Cada una de las ocho estrofas que componen el poema es una lira, estrofa desarrollada por el Renacimiento Italiano y que, posteriormente, Garcilaso  aclimató en la versificación castellana al escribir su canción V, A la flor de Gnido. Los cinco versos que posee toda lira nos recuerdan la inclinación del gusto renacentista por el endecasílabo, en general, y por su combinación con el heptasílabo, en particular.
Concluyendo Noche escura del alma es un poema típico de la poesía mística con el que su autor, San Juan de la Cruz, logra transmitirnos las sensaciones que el alma experimenta en su ascenso hasta la unión con Dios. Y lo hace sobre la base de imágenes tomadas del amor humano, de una estructura renacentista perfectamente equilibrada y armónica en su simetría, y de elementos intensificadores basados sobre todo en técnicas de repetición. Todo ello, además, a través de un lenguaje llano y musical, de rimas fáciles poco estridentes.

NOCHE OSCURA
  
 En una noche oscura
con ansias, en amores inflamada,
¡oh dichosa ventura!
salí sin ser notada,
estando ya mi casa sosegada.

 A oscuras, y segura,
por la secreta escala disfrazada,
¡Oh dichosa ventura!
a oscuras, y en celada,
estando ya mi casa sosegada.

En la noche dichosa
en secreto, que nadie me veía,
ni yo miraba cosa,
sin otra luz y guía,
sino la que en el corazón ardía.

  Aquésta me guiaba
más cierto que la luz del mediodía,
adonde me esperaba
quien yo bien me sabía,
en parte donde nadie parecía.

  ¡Oh noche que guiaste!
¡Oh noche amable más que la alborada:
oh noche que juntaste
Amado con Amada.
Amada en el Amado transformada!

  En mi pecho florido,
que entero para él sólo se guardaba,
allí quedó dormido,
y yo le regalaba,
y el ventalle de cedros aire daba.

  El aire de la almena,
cuando yo sus cabellos esparcía,
con su mano serena
en mi cuello hería,
y todos mis sentidos suspendía.

Quedéme, y olvidéme,
el rostro recliné sobre el Amado,
cesó todo, y dejéme,
dejando mi cuidado
entre las azucenas olvidado.
http://www.poemas-del-alma.com/san-juan-de-la-cruz.htm
 https://sites.google.com/site/comentariosdetexto/renacimiento/san-juan-de-la-cruz/noche-escura-del-alma
 
 

 Canción para mi muerte es una canción del dúo de rock argentino Sui Generis, integrado por Charly García y Nito Mestre. Fue escrita por García e incluida en Vida, primer álbum del dúo, lanzado en 1972. Es considerada una de la mejor canción de la historia del rock argentino.

 Puesto a la venta como sencillo, obtuvo un éxito comercial sin precedentes hasta ese momento en la música de rock realizada en Argentina, permaneciendo en los primeros puestos de las listas de ventas por más de siete semanas. En 2004, una re-edición del álbum solista de Charly García Piano bar, incluyó una nueva versión del tema que alcanzó el primer puesto en las listas.ncion de la historia del rock argentino.

Según relato de Charly, un día a principios de 1969 se encontraba internado en el hospital del cuartel donde cumplía el servicio militar obligatorio. Había ingerido gran cantidad de pastillas y otros medicamentos con la expectativa de que lo dejasen ir a casa por encontrarse enfermo. Al enterarse de que a pesar de su estado no le permitirían salir, cayó en un profundo sueño producto de los narcóticos, en el que sintió la presencia de la muerte en la habitación. Apenas despertó, García tomó lápiz y papel y escribió la letra, creando así su primer gran éxito....

 Canción para mi muerte

Hubo un tiempo que fue hermoso
y fui libre de verdad,
guardaba todos mis sueños
en castillos de cristal.
Poco a poco fui creciendo,
y mis fábulas de amor
se fueron desvaneciendo
como pompas de jabón.

Te encontraré una mañana
dentro de mi habitación
y prepararás la cama
para dos.

Es larga la carretera
cuando uno mira atrás
vas cruzando las fronteras
sin darte cuenta quizás.
Tomate del pasamanos
porque antes de llegar
se aferraron mil ancianos
pero se fueron igual.

Te encontraré una mañana
dentro de mi habitación
y prepararás la cama
para dos.

Quisiera saber tu nombre
tu lugar, tu dirección
si te han puesto teléfono,
también tu numeración.
Te suplico que me avises
si me vienes a buscar,
no es porque te tenga miedo,
sólo me quiero arreglar.

Te encontraré una mañana
dentro de mi habitación
y prepararás la cama
para dos.
 http://www.rock.com.ar/letras/1/1954.shtml

                                           

martes, 23 de junio de 2015

RIMSKI-KORSAKOV....OBERTURA “LA GRAN PASCUA RUSA OP.36

 


Un año después de la publicación de los Cuadros mussorgskianos, en 1887, Rimski-Kórsakov daba forma a su obertura de concierto sobre temas litúrgicos, Op. 36, La Gran Pascua Rusa. Cuya composición concluiría al año siguiente.
A similitud de Stravinski en La Consagración de la Primavera, Rimski-Kórsakov extrajo abundante inspiración de los antiguos ritos paganos. El título y las raíces de la obertura Op. 36, compuesta sobre temas del obikhod -colección de cantos de la Iglesia Ortodoxa Rusa-, pueden sugerir una obra de profundo sustento religioso, pero fue el carácter esencialmente pagano del regocijo popular durante la Pascua, lo que realmente el compositor trató de expresar en su música. Hace hincapié sobre este punto en su autobiografía, cuando se propone el análisis de la obra: "En la lenta introducción de la obertura de Pascua de Resurrección, sobre dos temas de cantos litúrgicos -Dios resucitará y El ángel habló- tuve siempre presente la antigua profecía de Isaías sobre la resurrección de Cristo. El sombrío colorido del Andante lúgubre pinta al Santo Sepulcro que irradia inefables destellos a partir del momento de la resurrección. El comienzo del Allegro conduce al ambiente festivo de la Misa de Gallo rusa, en la noche de Pascua de Resurrección. El solemne sonido de la trompeta, de la voz angélica, es sustituido por el alegre toque de las campanas de carácter casi bailable, que es seguido a su vez, por el rápido salmodiar del diácono y el pausado pregón de la buena nueva del Evangelio entonado por el sacerdote. La cantinela litúrgica Cristo ha resucitado -tema secundario de la obertura-, parece iluminada por el sonido de las trompetas y campanas, quedando fundidos en la obra los recuerdos del remoto tiempo de los Profetas y el sublime mensaje del Evangelio, con la imagen de la misa rusa de Pascua de Resurrección y su alegría pagana. ¿No creéis que la danza del Rey David ante el Arca trae el recuerdo de las ceremonias de los idólatras? ¿No es posible acaso, bailar al son del carrillón de los campanarios rusos? Este aspecto pagano y legendario de la fiesta de Resurrección, fue el que quise imitar en mi obertura. Por eso supliqué al Conde Golenischtscheff que redactase el programa en forma poética, más Resurrección y la misa correspondiente; dejé que las notas hablasen por mí -Consisten éstas en la transcripción de dos pasajes de la Biblia -Salmos 68, 1-2 y San Marcos, 16, 1-6, seguidos de las palabras del compositor-. Es probable que esas tonalidades reflejen fielmente mis sentimientos e ideas, aunque gran parte del público quede en ayunas, no obstante la claridad ejemplar de mi música. Para comprender la obertura es preciso haber presenciado al menos una vez, la Misa del Gallo rusa, no en un oratorio sino entre la multitud, en una catedral, donde celebran simultáneamente la misa numerosos sacerdotes y diáconos. Mis impresiones datan de la infancia, del tiempo del convento de Tijvin."

 
La obertura -una de las obras más brillantes y emocionantes del repertorio sinfónico ruso- está instrumentada para amplio conjunto, incluyendo campanas, triángulos, platillos, gong y arpa. Sin embargo, la orquestación es siempre transparentemente clara y denota, en su totalidad, la mano de un maestro. Nacen aquí puntos en común con la orquestación de Ravel de los Cuadros de una exposición, pues el músico francés arrebató a la paleta deslumbrante del ruso, el colorido de los timbres y el virtuosismo instrumental.
La Gran Pascua Rusa, marca la culminación con Sheherazade y el Capricho español, sus contemporáneas, del período rimskiano 1880-1888 -iniciado con la ópera La Doncella de Nieve- en que el estilo orquestal, libre de influencias wagnerianas, alcanza extraordinario grado de virtuosismo y brillante colorido.
http://www.refinandonuestrossentidos.com/nikol%C3%A1i-andr%C3%A9yevich-rimski-k%C3%B3rsakov/obertura-la-gran-pascua-rusa-op-36/