lunes, 31 de agosto de 2015

MARIO BENEDETTI......DESDE LOS AFECTOS



¿Cómo hacerte saber, que siempre hay tiempo?
Que uno sólo debe buscarlo y desearlo,
Que nadie establece normas, salvo la vida,
Que la vida, sin ciertas normas, pierde forma,
Que la forma no se pierde con abrirnos,
Que abrirnos no es amar indiscriminadamente,
Que no está prohibido amar,
Que también se puede odiar,
Que el odio y el amor, son afectos,
Que la agresión porque sí, hiere mucho,
Que las heridas cierran,
Que las puertas no deben cerrarse,
Que la mayor puerta, es el afecto,
Que los afectos nos definen,
Que definirse, no es remar contra la corriente,
Que no cuanto más fuerte es el trazo, más se dibuja,
Que buscar equilibrio no es ser tibio,
Que negar palabras indica abrir distancias,
Que encontrarse es muy hermoso,
Que el sexo forma parte de lo hermoso de la vida,
Que la vida parte del sexo,
Que el querer saber de alguien, no es sólo curiosidad malsana,
Que nunca está demás agradecer,
Que la autodeterminación no es hacer las cosas solo,
Que nadie quiere estar solo,
Que para no estar solo, hay que dar,
Que para dar, debemos recibir antes,
Que para que nos den, debemos saber como pedir,
Que para pedir no es regalarse,
Que regalarse es, en definitiva, no quererse,
Que para que nos quieran, debemos demostrar que somos,
Que para que alguien sea, debemos ayudarlo,
Que para ayudar es alentar y apoyar,
Que adular no es apoyar,
Que adular es tan pernicioso como dar vuelta la cara,
Que las cosas cara a cara son más honestas,
Que nadie es más honesto porque no robe,
Que cuando no hay placer en las cosas, no se está viviendo,
Que por sentir la vida no hay que olvidar que existe la muerte,
Que se puede estar muerto en vida,
Que se siente con el cuerpo y con la mente,
Que con los oídos se escucha,
Que cuesta ser sensible y no herirse,
Que herirse no es desangrar,
Que para no ser heridos, levantamos muros,
Que quien siembra muros, no recoge nada,
Que casi todos somos albañiles de muros,
Que sería mejor construir puentes,
Que sobre ellos se va a la otra orilla y también se vuelve,
Que también se puede retroceder,
Que retroceder también puede ser avanzar,
Que no por mucho avanzar, se amanece más cerca del sol,
¡Cómo hacerte entender que nadie establece normas, salvo la vida!

Letra : Mario Benedetti  (R. O. del U.)
http://www.hermanotango.com.ar/Poemas/DESDE%20LOS%20AFECTOS.htm


                                             

IGOR STRAVINSKI....LA CONSAGRACION DE LA PRIMAVERA







Igor Stravinski concibió la consagracion de la primavera,mientras estaba trabajando en otro de sus ballets"El pájaro de fuego"...Cuando estaba componiendo el primero de ellos,se imaginó por un instante,un ritual pagano en el que participara una joven a la que se obligara a bailar hasta morir como sacrificio ante el Dios de la Primavera.
El ballet resultante,está considerado como un hito en la evolucion de la música moderna;suele nombrase por su titulo en francés,"Le sacre du pritemps".
Esta obra señera,se divide en dos partes:"La adoración de la tierra" y "el sacrificio"
Hoy dia es dificil imaginar que alguna vez se hayan producido disturbios a la salida de un ballet,pero cuando se estrenó "La Consagracion de la Primavera"en el Teâtre des Champs-Ëlysées de Paris en el año 1913,la policia francesa apenas pudo controlar a la multitud.
La obra de Stravinski,cuya coreografia estaba a cargo del bailarin ruso Vlasav Nijinski,suponia un alejamiento radical de las rigideces clásicas en casi todos sus aspectos.
El ballet comienza con un fagot interpretado en un tono mas alto de lo que la mayoria hubiera dicho que es capaz de alcanzar el intrumento y enseguida baja hasta producir lo que el públo percibe como una cacofinia de notas aleatorias.
En lugar de proponer movimientos gráciles y recatados sobre la parte delantera de la planta del pié,los bailarines agitan las caderas con un erotismo que impresionó al publico parisino.
En casi todos los aspectos ,La Consagración de la Primavera fué una proclamación impetuosa y llamativa de que habia llegado el modernismo a la música occidental.
El ballet,está considerado como una de las composiciones orquestales mas significativas de siglo XX.
Gozó de gran proyeccion popular cuando el dibujante Walt Disney incluyö parte en la banda sonora de su clásico de animación Fantasia,junto con obras de Ludwing van Beethoven y Johann Sebastián Bach.
Muchas gracias...


 



domingo, 30 de agosto de 2015

JOHANN BAPTIST STRAUSS ......VALS





Durante todo el siglo diecinueve hasta comienzos del siglo veinte, el vals fue un tipo de baile muy popular en la parte oeste del mundo. Lo bailaban desde el más rico hasta el más pobre, y no hubo otro compositor que capturara su espíritu tan perfectamente como el "Rey del Vals," así conocido, Johann Strauss II. Durante el curso de su vida compuso 479 piezas de baile, 16 operetas, y una ópera. Sus 160 valses, dos de los cuales Blue Danube y Champagne de Die Fledermaus, considerados como los más famosos, demuestran el encanto, la elegancia, y la festividad expresada por el monarca Austriaco de la época.
 Johann Strauss II nació en Viena el 25 de Octubre de 1825. Respondió rápidamente a la música sin importarle las contradicciones de su padre. Su padre, Johann Strauss I, también compositor y conductor, no quería que sus hijos se envolvieran en la difícil y estresante vida de la música. Cuando el padre de Johann lo escuchó practicar con el violín, le arrebato el instrumento guardándolo fuera del alcance del muchacho. Al día siguiente la madre de Johann compró un violín e hizo algunos arreglos para que él pudiera practicar en la casa de un amigo. El joven Johann estudió violín y piano, llegando a la composición cuando tenía alrededor de diez y seis años. Primeramente compuso música para la iglesia, pero después se destaco dirigiendo y componiendo valses y polcas.




A la edad de los diecinueve, Strauss condujo por primera vez en una noche de baile. El tocó algunos de sus valses y otros de su padre, los cuales fueron recibidos con mucha aceptación. El aplauso fue tan generoso que tuvo que tocar una de sus piezas musicales diecinueve veces. Strauss decidió tomar una gira en Europa la cual le ayudó a establecer una gran reputación. El toque elegante del artista y la viveza de su música capturaron la admiración tanto de serios compositores de su tiempo así como del público en general. En 1872, el artista hizo un viaje especial a Boston donde condujo un concierto de 20, 000 cantantes y varias orquestas. Olvidándose de las pasadas discrepancias, él y su padre continuamente conducían sus propias orquestas compartidos conciertos. Los valses de Johann Strauss II se convirtieron en piezas muy populares que se escuchaban y tocaban internacionalmente aun sin la existencia de la radio u otro medio de difusión.


En 1862, Strauss se unió matrimonialmente con la cantante de opera Jetty Treffs, quien sirvió de gran inspiración para él. Cuando el compositor Jacques Offenbach visitó a Johann y le dijo que debería escribir operetas, Strauss muy respetuosamente le contestó que su música no era apropiada para la plataforma. Jetty tomó seriamente la sugerencia de Offenbach y secretamente le hizo arreglos vocales a la música de su esposo. La cantante de ópera cantó los tonos de Strauss convenciéndolo de que él podía escribir operetas. Un poco después, él comenzó a escribir operetas por lo que vino a ser su periodo más creativo. Fue durante éste tiempo que él escribió la famosa opereta Die Fledermaus.

Las dos primeras operetas de Strauss nunca fueron presentadas, pero la tercera, Indigo y los Cuarenta Ladrones, fue de gran triunfo. El público genuinamente adoraba su música. Die Fledermaus se estrenó el 5 de Abril de 1874 en el teatro an der Wien en Viena, Austria. Aunque sus primeras producciones fueron un poco decepcionantes, las obras subsecuentes dieron a la ópera el triunfo que se merecía. Gustav Mahler, el famoso compositor y conductor, fue de gran instrumento en llevar Die Fledermaus a una establecida casa de ópera en 1894. La primera presentación fue en la Casa Metropolitana de Opera el 16 de Febrero de 1905, la cual abrió las puertas a la tradición de presentar famosos artistas en la fiesta del Príncipe Orlofsky en el Acto II. No menos de veintinueve artistas, incluyendo el famoso tenor Enrico Caruso, aparecieron en la plataforma para tal escena.



La esposa de Strauss, Jetty, murió en 1878, dejando al compositor devastado sin fuerzas para trabajar o concentrase. Un pequeño matrimonio con la bonita y joven cantante Angélica Dietrich fue un desastre: ella tenía más interés en su fama y dinero que en la relación. Después de algunos anos Angélica se fue con uno de los amigos de Johann. El compositor finalmente se casó con Adele Deutsche, la viuda del hijo de uno de sus viejos amigos, quien le trajo felicidad por el resto de su vida.


Strauss fue un famoso prolífico compositor. Durante el curso de su vida compuso 479 piezas de baile, 16 operetas, y una ópera. Cuando nuevas ideas musicales le venían a su mente y no tenía su cuaderno para escribirlas, usaba partes de su camisa, billetes, el periódico, o cualquier otra cosa que tuviera en sus manos. Por cierto, el famoso puente en el vals Blue Danube fue primeramente apuntado en el collar de su camisa. Wagner llamó a Strauss, "el más brillante en la música que he conocido." Cuando una orquesta le llevó serenata a Johann el día de su cumpleaños en 1876, Wagner solicitó los valses de Strauss, se entusiasmó tanto que aprovecho la ocasión para dirigir Vino, Mujeres y Canión él mismo.


Sobre todo, Strauss fue muy amado y apreciado por el publico de Viena. En 1894, cuando la ciudad celebró los cincuenta años de la primera presentación de Johann, un gran grupo de personas se reunió cerca del viejo balcón del compositor. Emocionado, Strauss les dijo: "Si en verdad tengo talento, le doy gracias sobre todo a mi amada Viena por él!"
http://www.hagaselamusica.com/clasica-y-opera/compositores/johann-strauss-ii/

sábado, 29 de agosto de 2015

MANUEL MACHADO........CANTARES




Vino, sentimiento, guitarra y poesía,
hacen los cantares de la patria mía...
Cantares...
Quien dice cantares, dice Andalucía.

A la sombra fresca de la vieja parra,
un mozo moreno rasguea la guitarra...
Cantares...
Algo que acaricia y algo que desgarra.

La prima que canta y el bordón que llora...
Y el tiempo callado se va hora tras hora.
Cantares...
Son dejos fatales de la raza mora.

No importa la vida, que ya está perdida.
Y, después de todo, ¿qué es eso, la vida?...

Cantares...
Cantando la pena, la pena se olvida.

Madre, pena, suerte; pena, madre, muerte;
ojos negros, negros, y negra la suerte.
Cantares...
En ellos, el alma del alma se vierte.

Cantares. Cantares de la patria mía...
Cantares son sólo los de Andalucía.
Cantares...
No tiene más notas la guitarra mía.
http://amediavoz.com/machadoM.htm#ADELFOS

NOCHE DE RONDA.....AGUSTIN LARA (SP)


Noche de ronda
qeé triste pasa
qué triste cruza
por mi balcón.
noche de ronda
cómo me hiere
cómo lastima
mi corazón.
Luna que se quiebra
sobre la tiniebla
de mi soledad,
a dondé vas.
Dime si esta noche
tú te vas de ronda
como ella se fué,
con quién está.
Dile que la quiero
dile que me muero
de tanto esperar,
que vuelva ya.
Que las rondas
no son buenas
que hacendaño
que dan penas
que se acaba
por llorar.
Dile que la quiero
dile que me muero
de tanto esperar,
que vuelva ya.
Que las rondas
no son buenas
que hacendaño
que dan penas
que se acaba
por llorar.
http://www.musica.com/letras.asp?letra=75505

POR TI VOLARE.......


Cuando vivo solo
sueño un horizonte
falto de palabras
en la sombra y en tres luces
todo es negro para mi mirada
si tú no estas junto a mi, aqui
tú en tu mundo
separado del mio
por un abismo
oye, llámame
yo volaré
a tu mundo lejano
por ti volaré
espera, que llegaré
mi fin de trayecto eres tú
para vivirlo los dos
por ti volaré
por cielos y mares
hasta tu amor
abriendo los ojos por fin
contigo yo viviré
cuando estas lejana
sueño un horizonte
falto de palabras
y yo sé que
siempre estas ahí, ahí
una luna hecha para mi
siempre iluminada para mi
por mi, por mi, por mi
por ti volaré
espera que llegaré
mi fin de trayecto eres tú
contigo yo viviré
por ti volaré
por cielos y mares
hasta tu amor
abriendo los ojos por ti
contigo yo viviré
por ti volaré
por cielos y mares
hasta tu amor
abriendo los ojos por ti
contigo yo viviré
por ti volaré
volaré
http://www.musica.com/letras.asp?letra=82995




viernes, 28 de agosto de 2015

HABLAME DEL MAR MARINERO.....RAFAEL ALBERTI



Dicen que hay toros azules
en la primavera del mar.
El sol es el caporal
y las mantillas las nubes,

que las mueve el temporal.
Dicen que hay toros azules
en la primavera del mar.

Háblame del mar, marinero.
Dime si es verdad
lo que dicen de él.
Desde mi ventana
no puedo yo verlo.
Desde mi ventana
el mar no se ve.
Háblame del mar, marinero.
Cuéntame que sientes
allí, junto a él.
Desde mi ventana
no puedo saberlo,
desde mi ventana
el mar no se ve.

Dicen que el barco navega
enamorado del mar.
Buscando sierenas va,
buscando sirenas nuevas
que le canten al pasar.
Dicen que el barco navega
enamorado del mar.

Háblame del mar, marinero,
háblame del mar, háblame.
http://www.poesi.as/ra_Hablame_del_mar_marinero.htm

 

NOCHE AMIGA MIA.......LOS NOCHEROS




Noche amiga mía,
deja que el silencio me cubra en tu manto de azul
ven querida amiga
y a nadie le digas como me has visto sufrir
a nadie le cuentes que bajo tu sombra la ame,
que tu me prestaste la luna que le regale
por eso noche mía,
te pido que calles lo mucho que yo me entregue
Y cuando quieres hablar tu conmigo te vistes de estrella, como diciendo que cada una de ellas es por un amor
y estoy seguro que la mas brillante
es la tristeza que sientes por mi, pues sin ella, ya sin ella, yo me siento morir
Noche amiga mía,
si alguien me conoce y me guarda un secreto eres tu
ven querida amiga
y dime tan solo si en sueños se acuerda de mi
a nadie le cuentes que allá en su balcón le cante,
que tu me prestaste un cometa que le regale
por eso noche amiga,
te pido que calles lo mucho que yo le llore
Y cuando quieres hablar tu conmigo te vistes de estrella
como diciendo que cada una de ellas es por un amor
y estoy seguro que la mas brillante
es una lagrima tuya por mi
pues sin ella, ya sin ella ya no quiero vivir, yo no quiero vivir
http://www.musica.com/letras.asp?letra=75503

 

ANDREA BOCELLI.....TE EXTRAÑO




Te extraño
Como se extrañan
las noches sin estrellas
Como se extrañan las mañanas bellas
No estar contigo, por dios
que me hace daño

Te extraño
Cuando camino, cuando lloro, cuando rio
Cuando el sol brilla,
cuando hace mucho frío
Porque te siento como
algo muy mio

Te extraño
Como los árboles extrañan el otoño
En esas noches
que no concilio el sueño
No te imaginas amor,
como te extraño

Te extraño
En cada paso que siento solitario
Cada momento que
estoy viviendo a diario
Estoy muriendo amor
porque te extraño

Te extraño
Cuando la aurora
comienza a dar colores
Con tus virtudes, con todos uts errores
Por lo que quieras
no sé,
pero te extraño

Te extraño
Como los árboles extrañan el otoño
En esas noches
que no concilio el sueño
No te imaginas amor,
como te extraño

Te extraño
En cada paso que siento solitario
Cada momento que
estoy viviendo a diario
Estoy muriendo amor
porque te extraño

Te extraño
Cuando la aurora
comienza a dar colores
Con tus virtudes, con todos uts errores
Por lo que quieras
no sé,
pero te extraño

Te extraño, te extraño 
 http://www.musica.com/letras.asp?letra=982355


IGOR STRAVINSKI....EL PAJARO DE FUEGO



El ballet El Pájaro de Fuego fue iniciado en noviembre de 1909 y terminado el 18 de mayo de 1910. El estreno tuvo lugar en la Opera de París, el 25 de junio de 1910, interpretado por los Ballets Rusos. La coreografía era creación de Mikhail Fokine, la escenografía de Alexandre Golovine, el vestuario de Golovine y León Bakst, y el director de la orquesta fue Gabriel Pierné. Los bailarines principales fueron Fokine, Támara Karsavina y Alexis Bulgakov. Posteriormente, Stravinsky extrajo varias suites diferentes para su interpreta


jueves, 27 de agosto de 2015

JOHANN BAPTIST STRAUSS ....EL MURCIELAGO





Johann Strauss compuso con El murciélago su obra maestra. Cada número musical se convirtió en un gran éxito. La única duda que podría plantearse es el género al que pertenece esta obra. Ante todo, a la ópera cómica, que se aproxima en muchos puntos a la opereta, la zarzuela española y la comedia. Cualquiera que sea el género en que se sitúe El murciélago, es la culminación de la opereta. Rebosa humor e ingenio, energía y alegría de vivir.
Opera cómica en tres actos. Libreto de C. Haffner y R. Genée, basado en la comedia Réveillon, de Meilhac y Halévy.
Lugar y época: Viena, siglo XIX.

Argumento: La obertura es una brillante fantasía orquestal sobre algunas de las mejores ocurrencias de la partitura. Adelanta la atmósfera de baile, pero también algunos motivos líricos y grotescos, y su instrumentación es brillante.




El primer acto transcurre en la casa del señor de Eisenstein. Adele, la criada, ha obtenido de su hermana Ida, que es bailarina de ballet, una invitación a un baile en el palacio del príncipe ruso Orlowsky. Por lo tanto, no sólo tiene que inventar ante Rosalinde la excusa de que debe cuidar por la noche a una tía enferma, sino que debe sustraerle un hermoso vestido a su ama. Sorprendentemente, Rosalinde concede la autorización solicitada, con más prontitud que de costumbre. Su esposo, el señor von Eisenstein, debe presentarse esa noche en la prisión para cumplir una leve condena por ofensas a la autoridad. En la calle se oye la victoriosa voz de tenor del cantante de ópera Alfred, su antiguo admirador, que le canta una serenata. Eisenstein está furioso porque un descuido de su abogado, el doctor Blind, lo obliga a cumplir el castigo, pero su humor mejora visiblemente cuando el notario, el doctor Falke, su amigo y compañero de numerosas aventuras, va a invitarlo a la fiesta de Orlowsky. Eisenstein se viste de gala, lo que no deja de sorprender a Rosalinde. ¿De frac a la prisión? Eisenstein se despide con ternura, aunque muy distraído, de su esposa, que a causa del canto de Alfred en la calle tampoco está demasiado atenta. La melodía («Oh, cómo me conmueve esto...») que Strauss inventó para la situación, describe ésta perfectamente.

Sospechosamente alegre, Eisenstein se dirige a la prisión. Aunque sin imaginar que será la víctima, pues Falke, a quien una vez, después de un baile de máscaras, hizo volver a casa disfrazado de murciélago en pleno día, ha tramado un plan para vengarse. Apenas se ha ido el señor de la casa, entra Alfred. El cantante, que desde hace años echa los tejos a Rosalinde, aunque con escaso éxito, comienza a ponerse cómodo en la casa de Eisenstein, a pesar de las protestas, no muy enérgicas, de la mujer. Beben tranquilamente mientras entonan la canción que tanto por el texto como por la melodía se ha vuelto casi proverbial: «Dichoso quien olvida lo que no se puede cambiar...». Una filosofía de la vida objetable, pero conveniente.

El idilio es interrumpido un poco bruscamente. Llega Frank, el director de la prisión, para poner personalmente entre rejas a su ilustre huésped, el señor von Eisenstein. Lo encuentra arrullándose con su esposa, pues tiene que ser aquel hombre, ¿quién otro podría a tales horas...? Alfred vacila un instante, pero no puede comprometer a Rosalinde. Se deja llevar a la prisión, no sin despedirse con afectuosos besos de su esposa.




En el acto segundo aparece la fiesta del príncipe Orlowsky, cuyos principios pseudoliberales están acertadamente caracterizados en su canción «Chacun a son goüt». Todos lo pasan estupendamente menos él, que a pesar de sus riquezas o tal vez a causa de ellas vive en constante aburrimiento. Sin embargo, Falke le ha prometido para esa noche una agradable sorpresa. Le presentan a cierto marqués llamado Renard, que no es otro que Eisenstein. Se encuentra con una bella mujer que podría confundirse con su criada Adele y que además parece llevar un vestido de su esposa. Pero cuando le dice lo que piensa sufre un vergonzoso desaire, pues la joven lo pone en evidencia delante de todos los invitados con una canción burlona, ¡Mi señor marqués, un hombre como vos debería entenderlo mejor!

Inmediatamente después, la atención del marqués pasa de la supuesta Adele a una condesa húngara, que va enmascarada y a la que Falke le presenta con grandes elogios. Su vieja sangre de aventurero comienza a hervir. Cree que podrá conquistarla con la ayuda de un pequeño reloj con cuyo segundero quiere contar los latidos de su corazón; pero la «condesa» no sucumbe a sus artes de seductor, al contrario: antes de que se dé cuenta, se apropia del reloj. Entonces la «condesa» lo invita, ante la expectación de los presentes, a una czarda, un baile húngaro. La fiesta se acerca a su punto culminante. Llega un nuevo invitado, el «caballero» Chagrín, bajo cuyo nom de guerre se oculta Frank, el director de la prisión. Su encuentro con el marqués de Renard pone de manifiesto que ninguno de los dos habla más de cinco palabras en francés, pero este impedimento no puede turbar la creciente simpatía entre ambos. Bailan con la mayor alegría uno de los más espléndidos valses de Strauss. Incluso beben por la amistad, se abrazan y cuando la fiesta llega a su imprevisto final (son las seis de la madrugada), prometen volver a verse pronto. En medio del alboroto de la fiesta no sospechan con cuánta rapidez y en qué circunstancias lo harán.




El acto tercero transcurre en la prisión. Frosch, el carcelero, ha bebido, en ausencia de su jefe, más de lo que puede soportar. Frank regresa del baile y tampoco se tiene muy firme; quisiera dormir un poco en su despacho, pero la prisión comienza a animarse. Primero aparece Adele, que ha averiguado quién es el señor que le ha prometido ayudarla en la carrera artística con que sueña; Con un aria convence a Frank de su talento. Luego aparece el marqués. Gran escena de saludos. Confesiones mutuas que provocan carcajadas: ¿Frank no es «caballero», sino director de la prisión? Eso puede pasar. Pero ¿es Eisenstein el marqués? No, ¡eso es ir demasiado lejos! ¡El nuevo amigo inventa cosas increíbles! Pues Eisenstein está encerrado desde primeras horas de la noche. ¿Encerrado? ¿Dónde? En una celda. Frank en persona lo detuvo antes de ir a la fiesta y lo llevó allí. Eisenstein estalla en carcajadas, pero cuando conoce las circunstancias, se queda perplejo. Entonces llega Rosalinde. Quiere divorciarse de un esposo que se entusiasma con tanta facilidad por las bellezas desconocidas. Eisenstein protesta. Pero Rosalinde saca el pequeño reloj del bolsillo. Ella era la condesa húngara. Gran escena, pero por suerte ambos esposos tienen algo que perdonarse mutuamente. Ello permite que todo termine bien, la venganza del murciélago ha dado ocasión a una entretenida comedia.

Libreto: Los dos importantes libretistas franceses Meilhac y Halévy (sobrino del compositor de La judía) habían escrito para Offenbach un ingenioso libreto (Réveillon), que éste no utilizó y-que después de muchas vueltas llegó a Viena.

Haffner y Genée, libretistas ingeniosos, y tal vez más que eso, refundieron Réveillon por completo. Quitaron algunas cosas extrañas para la Europa central y añadieron muchas cosas humanas. De aquí surgió un libreto ideal que complació al rey del vals: en el centro había un gran baile, es decir, el medio en que el compositor había pasado buena parte de su vida, tocando el violín, dirigiendo la orquesta e interpretando sus propias composiciones.

Música: Johann Strauss compuso con El murciélago su obra maestra. Cada número musical se convirtió en un gran éxito. La única duda que podría plantearse es el género al que pertenece esta obra. Ante todo, a la ópera cómica, que se aproxima en muchos puntos a la opereta, la zarzuela española y la comedia. Cualquiera que sea el género en que se sitúe El murciélago, es la culminación de la opereta. La Hofoper de Viena, y de acuerdo con ella muchos otros templos serios de las Musas, la declararon ópera cómica para poder incluirla en su programación. El caso es que es de las mejores. Rebosa humor e ingenio, energía y alegría de vivir. Las ocurrencias se suceden sin descanso y cada una es de un arte exquisito. También son brillantes los papeles de los artistas; plantean grandes exigencias y muchos están a la altura de los cantantes de ópera. En la música de El murciélago se expresa como en ninguna otra obra la infinita magia de una ciudad y de una época, que a decir verdad tenían numerosos problemas sin solución, pero rebosaban capacidad creativa y optimismo.



Historia: El estreno de El murciélago tuvo lugar en un momento sumamente desfavorable. Una gran crisis económica sacudía a Austria, y pocos meses antes, el Viernes Negro, se había derrumbado la Bolsa de Viena y había arrastrado al abismo a varias fortunas aparentemente sólidas. El 5 de abril de 1874 reinaba en el Theater an der Wien un ambiente apocalíptico que ni siquiera El murciélago podía cambiar. Hubo sólo 17 representaciones, una cantidad casi ridícula para el célebre Johann Strauss y que parecía un peligroso fracaso. En los demás países que representaron en seguida El murciélago, la obra obtuvo el éxito rotundo que merece. Se convirtió en una de las obras más ejecutadas de ese género alegre y ligero que es tan difícil interpretar bien.
http://hagaselamusica.com/clasica-y-opera/pera/el-murcielago-de-johann-strauss-hijo/

FELIX LOPE DE VEGA Y CARPIO........¿QUIEN MATA CON MAS RIGOR?

 
¿Quién mata con más rigor?
     Amor.
¿Quién causa tantos desvelos?
     Celos.
¿Quién es el mal de mi bien?
     Desdén
¿Qué más que todos también
una esperanza perdida,
pues que me quitan la vida
amor, celos y desdén?

¿Qué fin tendrá mi osadía?
     Porfía.
¿Y qué remedio mi daño?
     Engaño.
¿Quién es contrario a mi amor?
     Temor.
Luego es forzoso el rigor,
y locura el porfiar ,
pues mal se pueden juntar
porfía, engaño y temor.

¿Qué es lo que el amor me ha dado?
     Cuidado.
¿Y qué es lo que yo le pido?
     Olvido.
¿Qué tengo del bien que veo?
     Deseo.
Si en tal locura me empleo,
que soy mi propio enemigo,
presto acabarán conmigo
cuidado, olvido y deseo.

Nunca mi pena fue dicha.
     Desdicha.
¿Qué guarda mi pretensión?
     Ocasión.
¿Quién hace a amor resistencia?
     Ausencia.
Pues ¿dónde hallará paciencia,
aunque a la muerte le pida,
si me han de acabar la vida
desdicha, ocasión y ausencia?
http://amediavoz.com/lopedevega.htm#%C2%BFQUI%C3%89N%20MATA%20CON%20M%C3%81S%20RIGOR?

miércoles, 26 de agosto de 2015

EL HOMBRE IMAGINARIO,,,,,,,NICANOR PARRA




El hombre imaginario
vive en una mansión imaginaria
rodeada de árboles imaginarios
a la orilla de un río imaginario

De los muros que son imaginarios
penden antiguos cuadros imaginarios
irreparables grietas imaginarias
que representan hechos imaginarios
ocurridos en mundos imaginarios
en lugares y tiempos imaginarios

Todas las tardes tardes imaginarias
sube las escaleras imaginarias
y se asoma al balcón imaginario
a mirar el paisaje imaginario
que consiste en un valle imaginario
circundado de cerros imaginarios

Sombras imaginarias
vienen por el camino imaginario
entonando canciones imaginarias
a la muerte del sol imaginario

Y en las noches de luna imaginaria
sueña con la mujer imaginaria
que le brindó su amor imaginario
vuelve a sentir ese mismo dolor
ese mismo placer imaginario
y vuelve a palpitar
el corazón del hombre imaginario.

http://www.poemas-del-alma.com/nicanor-parra-el-hombre-imaginario.htm

martes, 25 de agosto de 2015

LEONARD BERNSTEIN........SINFONIA Nº 1 JEREMIAH





Fue una de las figuras más influyentes sobre la música clásica en la segunda mitad del siglo veinte. Compositor, director, conferencista, escritor y, a menudo, una personalidad controvertida frente a los medios, Bernstein tuvo un impacto dramático sobre la aceptación y apreciación de la música clásica de parte de la audiencia popular. Su propia obra como compositor, particularmente sus partituras para comedias musicales, ayudó a forjar una nueva relación entre música clásica y música popular. 

Bernstein fue un líder en la promoción de compositores norteamericanos, en particular Aarón Copland, con quien mantuvo una duradera amistad. Bernstein interpretó y grabó casi todas las obras de Copland, muchas de ellas dos veces, y dedicó varios de sus conciertos televisados, Young People"s Concerts, a la música de su colega.
Pero el repertorio de Bernstein también abordó la literatura estándar, aunque es mejor recordado por sus versiones de Haydn, Beethoven, Brahms, Schumann, Sibelius y Mahler. Particularmente notables fueron sus interpretaciones de las sinfonías de Mahler con la New York Philarmonic en los 60, las que en cierta medida restauraron la reputación de Mahler como compositor.
Inspirado por su herencia judía, Bernstein completó su primera obra a gran escala, la Sinfonía N°1 Jeremías en 1943. Estrenada al año siguiente, esta partitura recibió el New York Music Critics" Award. 



 La “Sinfonía Nº 1”  (Jeremiah) fue empezada en 1939, después de su traslado a New York, terminados sus estudios en Harvard. La convocatoria en el año 1942 de un concurso del New England Conservatory of Music, empujó al joven compositor a terminar su obra. La presencia del legendario director Sergey Koussevitzky como miembro del jurado le dio esperanzas de ganar. En diez días acabó la partitura para piano, orquestándola en solo tres días, que pasó casi sin dormir, ayudado por su hermano y otros amigos que realizaban las copias. Al ver que la partitura no podía llegar por correo antes del 31 de diciembre, fecha límite del concurso, tomó el tren hacia Boston entregándola personalmente. La dedicó a su padre Samuel Bernstein, que impulsó su fe en su hijo.
La obra no consiguió el premio, pero su debut como director en el Carneglie Hall de New York le ayudaría para su estreno. Con solo 27 años había dirigido la más prestigiosa orquesta americana. Era además la primera vez que un músico nacido en América dirigía la Philharmonica. Invitado por el director de la Pittsburgh Symphony, Fritz Reiner, la sinfonía se estrena el 28 de enero de 1944, conducida por Bernstein. La obra gana el Premio del New York Music Critics Circle de 1944, siendo interpretada por las más famosas orquestas.
El primer movimiento, Prophecy, muestra el aspecto de solemne contemplación que marcará toda la obra. Un primer tema derivado de dos cadencias litúrgicas hebreas abre la obra. Estos motivos formarán la base del movimiento. El segundo tema emplea una serie dodecafónica para indicar un presagio de desgracia. El desarrollo temático nos conduce a un dramático climax. Una tranquila coda cierra el movimiento. Representa la intercesión del profeta para su pueblo caído en la desgracia.
El segundo movimiento, Profanation, corresponde al scherzo. El tema principal procede de otro motivo empleado en la liturgia hebrea. Un canto empleado el día del sabbat. Caracterizado por sus ritmos de carácter oriental. En la parte que corresponde al trío encontramos una forma melódica que será característica de su autor, un tipo de melodía ampliamente usada en sus obras más conocidas. Finalmente se recupera la forma rítmica inicial
El último movimiento, Lamentation, corresponde a la interpretación musical de un texto poético. En esta parte utiliza una mezzo-soprano solista. El texto cantado corresponde a una parte de la Biblia, las Lamentaciones de Jeremías, en una versión escrita en hebreo. Los versos utilizados expresan el grito doloroso de Jeremías al ver a su amada Jerusalén en ruinas, saqueada y deshonrada a pesar de sus desesperados esfuerzos por salvarla. La mezzo-soprano canta los tres primeros párrafos. La música se vuelve más dramática, antes de que la mezzo-soprano reanude su canto, con su descripción de la ciudad destruida. Una frase lírico dramática es repetida varias veces por la orquesta como leitmotiv, durante un intermedio orquestal, que concluye con la entrada dramática de la soprano, lamentándose del abandono de su Dios. Una larga secuencia orquestal, empleando los motivos temáticos anteriores, cierra la obra inmersa en el dolor.
Según el compositor la sinfonía muestra su crisis en la fe, un problema que arrastrará durante toda su vida. Jeremías es un profeta bíblico que vivió en Jerusalén unos seis siglos antes de Cristo. La destrucción de Jerusalén representa la pérdida de su propia fe.
El lenguaje empleado es eminentemente tonal, un sistema en el que creía el compositor como lo demuestran sus propias palabras, en el fragmento traducido a continuación. Unas palabras que reflejan también el pensamiento de quien escribe estas líneas.
Si se busca encontrar una oposición entre el optimismo y el pesimismo en mi música, la equivalencia musical más próxima es, desde este punto de vista, la oposición entre la tonalidad y la atonalidad. Creo muy profundamente en la tonalidad, estando convencido que siempre se puede escribir nuevos sonidos, melodías y armonías verdaderamente originales basándose en la tonalidad. Esto no significa que no crea en la música atonal. Todo tipo de música que constituya un modo auténtico de expresión humana es válida para mí. Además, no creo haber escrito jamás una composición importante que no haga uso, de un modo u otro, del dodecafonismo. En la mayoría de casos, recurro a sonidos seriales, tratándolos teniendo en el pensamiento algo como diría, como una intención pesimista o perturbadora.

Fuente: Booset and Hawkes The New Grove Dictionary of Music and Musicians 
http://www.hagaselamusica.com/clasica-y-opera/compositores/leonard-bernstein/ 
http://www.historiadelasinfonia.es/naciones/la-sinfonia-en-los-estados-unidos/los-compositores-mas-notables-2/bernstein/


LA DUDA......JOSE ZORRILLA


Cuando al escribir en ellas
Contemplo tan lindas hojas,
Entre si llore o si cante
Estoy dudando, señora.
Recuerdos tenéis en ellas
Que desgarran la memoria,
Por más que entre tantas flores
Estas espinas se escondan;
Que cuando un enamorado
En himno de amores llora,
Más que a cantar sus cantares,
Su llanto a llorar provoca.
Y los versos de ese muerto
Tanto en lágrimas rebosan,
Que removidas las mías,
A mis pupilas asoman.
Y pues donde tantos cantan
Hay uno que a llorar osa,
Entre si llore o si cante
Estoy dudando, señora.

Si intento escribiros versos,
Dentro la mente se agolpan
Cuantos primores y hechizos
La naturaleza aborta.
Que en este jardín de España
Las inspiraciones sobran,
Pues basta mirar la lumbre
Con que el sol le tornasola,
Los arroyos que le cruzan,
Los jazmines que le bordan
Y las bellas que le pisan,
Cuantas maravillas brota,
Para entonar tantos himnos,
Tantas letras amorosas,
Que antes que el canto se agote,
Gastada el arpa se rompa.
Pero al ver lo que ese triste
Grabó o lloró en estas hojas,
Entre si llore o si cante
Estoy dudando, señora.

Pluguiera que, en vez de versos,
Mi pluma brotara rosas,
Porque, al menos, con las flores
Se pueden tejer coronas.
Pero a par de los cipreses,
Si nacen flores se agostan;
Y donde los muertos hablan,
Callar a los vivos toca.
Que el recuerdo del que muere
Mucho respetar importa,
Que acaso para velarnos
Quedó en la tierra su sombra.
Y aunque indecisa mi pluma,
Tal vez dudando os enoja,
Y han de hacer mis desvaríos
Que de vergüenza me corra,
Perdonadme si os confieso
Que al contemplar estas hojas,
Entre si llore o si cante
Estoy dudando, señora.

Que vos merecéis los versos,
Nadie en la villa lo ignora;
Y es tan claro por sabido,
Que hasta dudarlo es lisonja.
Que él la memoria merece,
Tampoco hay a quien se esconda,
Pues por triste y por amante
Le recordamos ahora.
y así, entre ambos dividida
La imaginación dudosa,
Los versos son para vos
Si le prestáis la memoria;
Lo que en vos merece el sexo,
En él merece la sombra,
Y lo que en vos la hermosura,
En él la tumba lo abona.
Justo es, con los dos hablando,
Duden el muerto y la hermosa
Si es cantar o si es lamento
Lo que les cantan o lloran.
http://www.ciudadseva.com/textos/poesia/esp/zorrilla/laduda.htm 

lunes, 24 de agosto de 2015

GAETTANO DONICETTI......L,ELIXIR D,AMORE


 Con esta ópera de Donizetti  introduzco el  "belcanto" en esta serie de "óperas para iniciarse".El bel canto destacó entre los años que van desde finales del siglo XVIII y principios del XIX en Italia. En este estilo se persigue la obtención de la belleza vocal, subordinándose el resto. La técnica vocal  y la agilidad  de los intérpretes resalta  aún más la belleza de la melodía ya que la acompaña de forma admirable.
Fue  estrenada en el año 1.832 en el teatro Canobbiana de Milán con un gran éxito de público ( el compositor fue aclamado en cada uno de los actos) y de crítica (varios medios que no estaban conformes con el compositor de Bérgamo aceptaron esta nueva ópera). La ópera está basada en un libreto de  Eugene Scribe llamado Le PhiltreFelice Romani fue el libretista de esta ópera. L'elisir d'amore es un referente en la obra de Donizetti superado por esa inolvidable "Lucía di Lammermoor", una de las grandes óperas de la historia.


 Acto I


Una vez terminado el preludio con el que empieza la ópera, un grupo de segadores se dispone a descansar tras una jornada larga. Este tipo de inicio lo suele realizar Donizetti como así se demuestra en otras óperas. Entre éstos, surge Nemorino, un pobre inocentón que esta locamente enamorado de Adina, la granjera. Esa aria que canta en su primera intervención, "Quanto è bella", sería mencionada como la mejor de Nemorino si no fuese por la célebre "Una furtiva lagrima". Es muy agradable escucharla. Nemorino ve desde lejos a Adina que está leyendo  y siente que también él está lejos en el corazón de ella. Ella ríe y les comenta a los segadores que aún permanecen descansando lo que ella ha leído: la historia de Tristán e Isolda. En sí, en la narración de ella está ...el argumento de esta ópera, de ahí surge la idea del elixir de amor en la cabeza de Nemorino para tener a Adina .La llegada de Belcore  altera un poco la situación en su primer aparición. Su actitud  de galán se contrapone con la timidez de Nemorino que, en un aparte, desea tener el aplomo de Belcore ("Un po' del suo coraggio Amor mi desse almeno"...Si amor me diese, al menos, un poco de su valor) y de Adina ("signor, non ho fretta:ci vo' pensare un po'"...Señor, no tengo prisa: quiero pensármelo un poco") que no acepta a Belcore mientras que los demás segadores observan atónitos la peculiar escena. La marcha de los segadores y de Belcore deja solos a ambos jóvenes. El dúo que sigue a continuación es una lucha entre una mujer "caprichosa" y un ser enamorado.  Tras intentar ella que  él comprenda que no es posible el amor  y que debe renunciar, Nemorino comenta que ello es imposible("Chiedi al rio perchè gemente"....Pregunta al río porque  ). El dúo pasa a una segunda fase donde  ella le explica su particular concepción del amor ("Come chiodo scaccia chiodo ,così amor scaccia amor"....Como un clavo saca a otro clavo, así el amor expulsa el amor) mientras que él  le afirma que se puede cambiar de amores pero "no podrá jamás salir el primero del corazón". En sí es un excelente dúo en todos los sentidos

Se produce el hecho fundamental y que marcará toda la ópera: la llegada de Dulcamara, un doctor que trata de vender sus productos de una forma curiosa ("Udite,udite, o rustici"...Oíd,oíd lugareños). La presencia de Dulcamara no ha pasado desapercibida para Nemorino que ve la posibilidad de que el doctor le proporcione el elixir de... "la regina Isotta". En el dúo que viene a continuación ("Voglio dire..."...Quiero decir), Dulcamara le entrega una botella de vino pero le hace ver que es elixir mientras que Nemorino se siente agradecido por el favor. Antes de marchar  le pide a Nemorino que no desvele el secreto mientras que éste tranquiliza al doctor,  que nadie lo sabrá. Una vez solo, Nemorino bebe de la botella como le indicó Dulcamara y, sabiendo que tendrá efectos  una vez pasado "un giorno intero",  trata infructuosamente de esquivar a Adina para no agobiarla con sus suspiros . El dúo que sigue es curioso ya que Adina se sorprende porque Nemorino, que siempre está  mirándola, ya ha dejado de observarla y se ríe de cómo él trata de ignorarla...sólo es el principio. Nemorino le dice que quiere olvidar el fuego del amor anterior y Adina se muestra sorprendida del cambio en él, aunque en su interior cree que está fingiendo. En ese momento aparece Belcore con su regimiento, lo que alegra a Adina, que cree que el  sargento le vendrá bien para ver si ese desinterés de Nemorino es cierto o falso. Cuando Adina accede a la petición de Belcore para casarse, la cara de Nemorino es un poema...pero sólo hasta saber que esa supuesta boda se llevaría a cabo en seis días con lo que se ríe del sargento ("ah,domani ve lo dirò"!...en clara alusión a ese día  para hacer efecto el elixir). Un aviso de que el regimiento ha de partir a la mañana siguiente acelera los hechos pero sin perder ni un ápice el encanto en la partitura. Nemorino muestra su verdadera cara en el momento en que le ruega a Adina, una vez que ésta acepta casarse con Belcore en esa misma noche, que se lo piense, que puede arrepentirse al día siguiente ("Adina, credimi, te ne scongiuro"...Adina, créeme, te lo suplico). Mientras Belcore se dirige a Nemorino con una actitud cruel, molesto por esa intromisión del joven. Adina trata de frenar a Belcore (Lo compatite) pero, en su interior, se siente despechada y quiere atormentarle . El acto acaba  con un Nemorino desquiciado ("ah, dottore, pietà") mientras que Belcore, Adina y el resto de segadores, que han observado esta última escena, celebran la boda y el banquete de esa noche.


 Acto II
Se celebra el banquete ("Cantiam, cantiam"...del coro) con toda la pompa en el interior de la granja pero con la ausencia de Nemorino, lo que provoca pesar en Adina que desea mofarse del pobre Nemorino. Del banquete vale la pena escuchar la "cancioncilla a dos voces" de Dulcamara, que canta junto a Adina, "La Nina Gondoliera e il Senator Tredenti". La llegada del Notario preocupa a Adina que ve que la ausencia de Nemorino le va a privar de su deseada venganza.
 Una vez terminado el banquete y se han marchado todos menos Dulcamara, aparece Nemorino que le pide otro frasco de elixir ya que es necesario que el efecto debe anticiparse pero el doctor  le dice que antes tiene que pagar, lo que es imposible ya que Nemorino había pagado todo por el anterior frasco. Al final , el doctor le dice que le esperará  un cuarto de hora a lo que Nemorino se siente infeliz. Belcore, que ha oído desde lejos que su "rival" está necesitado de dinero, trata de meterlo en el ejército con el objetivo de alejarlo de Adina  a lo que Nemorino, en principio, se niega ("Ai perigli de la guerra") mientras que Belcore le insiste en que tendrá amor en el regimiento, dinero constante y sonante...pero el momento culminante de esta primera parte del dúo es ese "ah ,qui un giorno ottiene Adina fin la vita può lasciar"  que recuerda a ese primer dúo de él y Adina en el que se ve los verdaderos sentimientos del joven. Nemorino reconsidera su negativa y acaba aceptando su entrada en el ejército ante la alegría de Belcore...volviendo a vivir otro ejemplo que resume toda la ópera "tu non sai qual cor sta sotto a sì semplice vestito" donde esa imagen de chico tonto y simplón esconde unos sentimientos nobles. La escena siguiente parece estar fuera de lugar pero el hecho es revelador: Nemorino se ha convertido en el más rico del lugar porque su tío ha muerto y le ha dejado una gran herencia lo que hace que sea objetivo de todas las mujeres. Nemorino, que no sabe la noticia al igual que Adina, vuelve con otro frasco de elixir y se siente sorprendido que, primero Gianneta y después el resto de mujeres de la granja, empiecen a seducirlo hasta que comprende que el elixir está produciendo efectos y desea que así sea con Adina...que, aparece después de frustrarse la boda, y ve rodeado a Nemorino. Adina se queda sola con el doctor Dulcamara, que aún no ha partido, ya que está anodada por el éxito de Nemorino ante las mujeres. Cuando Dulcamara le revela lo del elixir de amor, el sufrir y los sacrificios del joven por tener  el amor de una mujer, ella, empieza a creer de verdad que el amor que siente Nemorino por ella es cierto y que ella se ha mostrado injusta...y está dispuesta a quererlo como así lo demuestra  a lo largo del dúo y ese "una tenera occhiatina" en el que ella no necesita del elixir para encandilar al joven.
 La aria de Nemorino, "Una furtiva lagrima", es de una melodía suave agradable acompañada con el arpa y lleva el sentimiento desde el principio hasta el final. Le recomendaría que, si tuviese en su poder los CDs o el DVD de esta ópera, lo primero que escuchase sea esta aria, le generará una simpatía  de por vida a esta obra genial y, por supuesto, al personaje de Nemorino.
La aparición  de Adina es, en principio fría, extraña con lo oído anteriormente en su dúo con Dulcamara, pero también muy bien desarrollada. Cuando se despide de Nemorino, el joven se muestra sorprendido porque creía que ella iba a revelarle su amor y "explota": le entrega el contrato que ella había negociado con Belcore para  no entrar en el regimiento y le dice que prefiere morir soldado antes que no ser amado y engañado por el doctor...ella no puede negar la evidencia y le confiesa su amor por él y su deseo de hacerle feliz ("Il mio rigor dimentica"...Olvida mi crueldad).
Belcore se siente engañado pero decide pasar de ella ya que "el mundo está lleno de mujeres y miles tendrá Belcore"...que da pie a la última aparición de Dulcamara. Cuando Nemorino le da las gracias porque él ya es feliz, el doctor revela lo que todo el mundo ya sabe, ante la sorpresa del joven y de Adina.: que él es el más rico de la zona porque ha heredado de su tío. Todo lo que queda para el final es la adiós de Dulcamara de la misma manera que como llegó, presentando su "nuevo" elixir mientras que el resto de los personajes lo despiden mostrando, a su vez su felicidad ante el evento, la supuesta boda de Nemorino y Adina mientras que Belcore muestra otros "deseos" hacia el doctor.
http://www.operamania.com/sinopsis/lelisir_gd.htm


domingo, 23 de agosto de 2015

JOHANNES BRAMHS....SINFONIA Nº 1 OPUS 68




 Se estrenó el 4 de noviembre de 1876, en Karlsruhe, bajo la batuta de Félix Dessoff. El propio Brahms dirigió una presentación en Mannheim, tres días más tarde.
Cuando una composición producida por Brahms a los 20 años recibió una crítica de la prensa que representaba una alabanza envidiable, el autor se sintió comprensiblemente complacido. El crítico era nada menos que el compositor Robert Schumann. Sin embargo, Schumann depositó una pesada carga sobre el joven compositor. Había una velada comparación con Beethoven. A Brahms, que todavía no había escrito nada para orquesta, se le estaba diciendo públicamente que podía, debía y, probablemente, emprendería el camino donde Beethoven lo había dejado.
Tan sólo unas pocas semanas después, Brahms aceptó el desafío. Empezó a componer una sinfonía en Re menor. Pero todavía no estaba listo para abordar esa forma enorme en la que Beethoven había sobresalido. Algunas partes de esa sinfonía al final quedaron incluidas en el Réquiem Alemán, y otras, en el Concierto Número 1 para Piano -una obra que le costó terminar a Brahms cinco años- pero no hay ninguna sinfonía en Re menor en el catálogo de Brahms. Durante esos cinco años también escribió dos serenatas para pequeña orquesta. Había decidido abordar la orquesta gradualmente. La composición de una sinfonía debía esperar. Después de escribir para pequeña orquesta y para piano y orquesta, escribió para coro y orquesta. Finalmente, en 1873, compuso las Variaciones sobre un Tema de Hayan. Ahora, finalmente, se sentía listo para comenzar y terminar una sinfonía.

En realidad, algunos de los materiales de la Primera Sinfonía ya existían desde hacía años. Brahms había enviado a Clara Schumann un bosquejo del primer movimiento, menos su famosa introducción, en 1862, y le había remitido una canción para su cumpleaños, en 1868, usando el tema del corno del final. Pero fue recién en 1876 que el compositor terminó la Sinfonía en Do menor. Eso fue veintidós años después de que la crítica de Schumann hubiera impulsado a Brahms a pensar en componer de forma sinfónica.
¿Por qué le llevó tanto tiempo terminar una sinfonía? La respuesta está en la influencia de Beethoven. Como lo sugería la crítica de Schumann, la figura de Beethoven proyectó su sombra sobre todo el siglo XIX como la de un Hermano Mayor. Las composiciones de Beethoven fueron estudiadas, admiradas, mal entendidas, imitadas y canonizadas no sólo por todo compositor sino también por otros artistas. El carácter titánico de Beethoven, su imagen de gran liberador del arte de las restricciones del clasicismo, se convirtió en un grito de aliento para el espíritu libre y autoconsciente del romanticismo.
Esta visión de Beethoven con la mirada del siglo XIX necesariamente estaba teñida por los valores contemporáneos. La mayoría de los compositores románticos no reconoció el clasicismo de su música, un clasicismo propio que contrabalanceaba el aspecto feroz y temperamental del genio de Beethoven. El único compositor que verdaderamente comprendió el equilibrio de lo clásico y lo romántico que se esconde en Beethoven fue Brahms. Brahms fue el sabio del proverbio que temía poner un pie en el lugar donde los necios se precipitan. El supo lo que otros fueron incapaces de comprender: que escribir una sinfonía de espíritu libre no constituía una respuesta profunda a las implicaciones de la música de Beethoven. Brahms no se permitió hacer una imitación superficial del maestro de Bonn. Le llevó 22 años a Brahms encontrar un modo de manejar las implicaciones de su antecesor, de mantener en equilibrio el clasicismo y el romanticismo y, sin embargo, ser original.
Cuando se estrenó la Sinfonía en Do menor, el director Hans von Büllow la apodó "La Décima" (Beethoven había terminado nueve sinfonías), declarando de este modo cumplida la profecía de Schumann. Büllow reconoció la afinidad entre los dos grandes compositores que, alcanzándose por encima del medio siglo de romanticismo que mediaba entre ambos, hicieron contacto como clasicistas románticos.
Brahms también se vio influido por los compositores románticos, Schubert, Mendelssohn, Berlioz, Chopin, Weber, Schumann e incluso por sus "rivales" Wagner, Liszt y Bruckner. Uno de los resultados de esta influencia romántica fue que el clasicismo de Brahms resultó más autoconsciente que el de Beethoven. La Primera Sinfonía elabora una lógica musical compacta que en ningún momento es totalmente espontánea. Brahms era demasiado autocrítico para ser espontáneo. Otro aspecto del romanticismo que no podía dejar de tocar a Brahms fue su meditativa melancolía. Así que la Primera Sinfonía contiene música desasosegada, especialmente en su primer movimiento.


Brahms intentaba una tarea casi imposible, la de estar a la altura del genio de Beethoven. En 1879 dijo: "¡Nunca compondré una sinfonía! No tienen idea de cómo nos sentimos las personas como nosotros, cuando oímos los pasos de un gigante como él detrás de nosotros." Sin embargo, él lo logró. No recobró a Beethoven, sino que, tratando de hacerlo, se encontró a sí mismo.
Ni la lealtad de Brahms al espíritu de Beethoven ni su autoimpuesto clasicismo deben ser considerados como una inhibición de su creatividad. La Primera Sinfonía es, en muchos aspectos, una obra original, a pesar de su adhesión a la estética y a las técnicas tradicionales. Consideremos, por ejemplo, el tercer movimiento. Brahms sustituyó el movimiento de danza tradicional por un intermezzo más abstracto. El minué o scherzo como tercer movimiento sinfónico era un aplazamiento de la suite de danzas barrocas. En una sinfonía sirve a un propósito útil: por lo general se ejecuta como una pieza más ligera y más simple entre un movimiento lento posiblemente sobrio y un final a menudo elaborado. Esta función también podía ser desempeñada por movimientos que no derivaran de la danza, como Brahms se dio cuenta. Así que la sustitución del minué de Haydn y del scherzo de Beethoven por el intermezzo de Brahms fue un toque de originalidad que nada debía al pasado. El resultado fue lo suficientemente satisfactorio e interesante como para que Brahms continuara incluyendo intermezzos en lugar de scherzos en prácticamente todos sus trabajos sinfónicos de cuatro movimientos posteriores.
La introducción al final, excepcionalmente larga, tan larga como todo el intermezzo, es otra idea original. Esta introducción contiene material que se utiliza en diferentes partes del final que la sigue: incluso la melodía lírica en Do mayor que abre el allegro está anunciada (en menor) cerca del principio de la introducción. Esta introducción también desmiente la queja que se oye comúnmente, en el sentido de que Brahms no fue un orquestador imaginativo. Aquí encontramos al compositor utilizando colores orquestales particularmente bellos destinados a mantener el interés en una sección introductoria inusitadamente prolongada. Algunos ejemplos: el pasaje de pizzicato que se acelera gradualmente y que se escucha dos veces, la llamada del corno con cuerdas en sordina que se reflejan en el fondo y el coral trombón-fagot. Brahms era, sin duda, capaz de crear una orquestación colorida cuando la ocasión lo exigía.
A Brahms le llevó veintidós años aprender la forma de utilizar la orquesta de modo sinfónico. No puede pensarse que esa haya sido una etapa de aprendizaje, si tenemos en cuenta la larga lista de hermosas obras compuestas mientras luchaba por crear una sinfonía. Durante esos años trabajó para dominar y controlar su romanticismo, para fundir la inspiración y el intelecto, para comprender a Beethoven profundamente y para moldear sus propios pensamientos sinfónicos. El resultado de esta lucha increíble para lograr autodisciplina es, indudablemente, la más grande primera sinfonía jamás compuesta
. http://www.hagaselamusica.com/…/ficha-periodos-mus…/barroco/